PÓLVORA Y CONFORT

sábado, 16 de abril de 2011

VIVE LATINO 2011 (3/3)

Una semana después de la tempestad musical que significó el Festival Vive Latino, con portazo incluido para entrar a ver a Caifanes (como lo hicieron más de doscientos cráneos), llega un pequeño espacio de tranquilidad que nos sirve para tomar fuerzas y continuar con el viaje sonoro.

Muchas horas para nuestros oídos expuestas en cuatro escenarios; grupos consagrados y nuevas propuestas; comida y cerveza cobrada con pistola en mano; aromas relajantes en el ambiente; abrazos, lágrimas y besos rotos; piernas cansadas por andar de pata de perro; un poco de cine, mucho sudor; coros multitudinarios cantados con mucho corazón y poca voz; senos al aire, son apenas algunos de los flashazos que se pudieron percibir a simple vista en el festival, ya que cada uno de nosotros nos llevamos cosas distintas, después de tres días de Rock and roll.

Yo me llevo de Los Enanitos Verdes la limpieza con la que ejecutaron sus canciones. La forma en que Marciano y compañía arreglaron sus éxitos, integrándole incluso covers de Led Zeppelin y The Police, por mencionar sólo algunos, hizo que alcanzaran un sonido dinámico que refrescó. Si fueran toreros y no músicos, ellos hubieran tenido que salir en hombros del Foro Sol.

De Caifanes me llevo la satisfacción de haber estado presente, en cuerpo y alma, en lo que fue su regreso a los escenarios. Esa nostalgia ya nadie nos la podrá robar. Aunque siendo honesto, creo que le faltó algo a la esperada reconciliación: que Saúl Hernández hubiera dejado descansar tantito las canciones de Caifanes en sus conciertos con Jaguares.

Por ejemplo, hace apenas dos años, en el Vive Latino del 2009, Jaguares tocó nueve rolas de Caifanes. Incluso ese día cerró su participación con las tres mismas canciones con las que Caifanes culminó hace una semana; es decir, con No dejes que, La Célula que explota y La Negra Tomasa.

Desde mi perspectiva, una banda como Caifanes, la cual tiene un espacio enorme en la historia del rock nacional, debió haber mostrado algo diferente. Quizá nuevos arreglos, talvez nuevas versiones, pero jamás lo mismo que Saúl presentó con Jaguares por más de diez años. No sé ustedes pero esa decisión me produjo el mismo efecto que deja el ver una película muchas veces.

También me llevo del vive una intención: que el recorrido que haga por los diversos escenarios el siguiente año será para conocer nuevos proyectos. Hay bandas nuevas que a pesar de que aún no tienen un renombre, cuentan desde sus inicios con propuestas diferentes y vale la pena prestarles atención.


Al final yo me llevo del vive la alegría de compartir con mi gente un concierto, o mejor dicho un triple concierto, el primero de muchos que nos esperan en el largo camino de armonías celestiales y flores con sonidos.

viernes, 15 de abril de 2011

VIVE LATINO 2011 (2/3)

Algunas placas del día dos, sábado 9 de abril...
Foto: con la bandera minutos antes de accesar (9-ABR-11)



Foto: imponente el domo de cobre (9-ABR-11) SFC Foto: los talentosos hermanos Arreola (9-ABR-11) SFC Foto: esperando a Caifanes (9-ABR-11) Foto: como se previó en este blog semanas antes, Caifanes abrió con Será por eso (9-ABR-11) SFC Foto: CAIFANES (9-ABR-11) SFC

sábado, 9 de abril de 2011

VIVE LATINO 2011 (1/3)

FESTIVAL VIVE LATINO

Yo también soy de los que piensa que el rock es una dosis que ayuda a algunos entes a mantener la jovialidad. Pero en comparación con otros vives, en éste 2011 he notado a un personal más entradito en años. ¡Más cascadones! como dicen por ahí. Por los pasillos que llevan a los múltiples escenarios no he visto a mucho chavito “Indie”, he notado a un público digamos, más experimentado.

Esto se puede deber a que los grupos que conforman el cartel en esta edición alcanzaron su nivel más alto en décadas pasadas, marcando a generaciones de los 80’s, 90’s e incluso setenteras, como el citado Charly. Grupos como Fobia, Los Estrambóticos, Caifanes, La Gusana Ciega, Los Enanitos Verdes, Jarabe de Palo, por mencionar sólo algunos, son bandas que han jalado a mucha de su gente, un público que ha sabido traspasar el tiempo siempre en compañía de una buena canción.

Lo que he podido ver en este año es que los organizadores del evento han cuidado minuciosamente cada espacio del foro. Mientras te desplazas hacia las carpas o escenarios, te puedes encontrar con el montaje de un Popocatépetl que humea, por ejemplo, y cambios en la ubicación de templetes que hacen la circulación más ágil sobre la inmensa isla que lograron escenificar.

El viernes fue un día muy especial, con muchos trabajos alcanzamos a llegar a la parte final y morimos con El Che García, nos desesperamos con Janes’ Addiction, gritamos con Sepultura, reímos con las letras de Los Pellejos y bailamos con Bostich & Fussible del Colectivo Nortec. El sábado se escribirá pronto, se queda en suspenso.

Después de una larga espera, hoy (esto se pensaba publicar en el Rock N'1 del domingo 10 de abril) terminará el festival con The Chemical Brothers luego de muchas horas de expectación y cánticos argentinos, puertorriqueños, franceses, gabachos, japoneses, ingleses y por supuesto mexicanos. Todo pasó muy rápido, fue como un destello que cerró tus ojos de prisa y cuando los abriste ya no había nadie cerca con quien compartir un abrazo, una sonrisa, una melodía lúgubre que te despertara para volverte a dormir.

Pero así son los festines, la preparación es lenta y agonizante porque ya echando a andar los amplificadores, todo pasa de prisa. Ya comenzado el evento, todo es como un sueño plagado de imágenes que recorren tu vida en dos patadas.
Foto: El primer día del viaje, Colectivo Nortec (8-ABR-11) SFC

jueves, 7 de abril de 2011

CAIFANES, LA RECONCILIACIÓN

VIVE LATINO 2011

Lo único claro es que la música no tuvo la culpa de nada. Ella nunca perdió su libertad, tolerancia y obscuridad. Permaneció intacta para poder ser escuchada cada vez que la necesitáramos: en las reuniones claves, en los caminos hinchados, en las decisiones mortales, en los laberintos sin salida, en nuestras soledades, en nuestros reencuentros.

Aun con ello, la reconciliación de CAIFANES se logró, después de quince años, teniendo como testigos principales a dos importantes festivales de rock: el Coachella, realizado en Indio (California) y el Vive Latino de la capital azteca. En ambos casos, los boletos están agotados desde hace semanas para los días en que se presentará esta banda mexicana.

Amigos, seguidores de este pre-texto, les debo confesar que me emociona mucho la reunión de este quinteto programada para el siguiente sábado en el Foro Sol. Sobre todo porque es una banda que ha estado presente en nuestras calles, en nuestros bares, en nuestros festines de cada fin de semana con los amigos. Y aunque en realidad nunca se fueron, verlos en vivo, después de una larga espera, resulta muy emotivo e histórico para muchas almas.

Años antes de esta noticia, visualicé, como quizá muchas otras personas lo hicieron, en qué condiciones se presentaría el encuentro entre Saúl Hernández, Alejandro Marcovich y compañía. Nunca hubiera pensado que problemas de salud en algunos de sus integrantes (Sabo Romo y Marcovich) serían la chispa fulminadora de la tempestad.

Los problemas legales y la lucha de egos quedaron atrás, ahora ellos deben estar pensando en nuevos proyectos, nuevos caminos dentro de una escena de rock que ha evolucionado y en la que deberán aterrizar forzosamente. Será interesante ver la adaptación de la banda con una generación joven y nueva ligada a un movimiento “independiente”.Fotos: tomadas de faceebook.com/HCTR23

He tratado de pensar en un posible set list para su tocada en el Vive Latino. Para empezar, recordemos que en los inicios de Caifanes solían abrir sus conciertos con la canción Será por eso, una letra y música que pregunta sobre el origen de sus atrocidades. Me sonaría ideal que abrieran con esa canción (que dicho sea de paso es mi preferida y tienen un enorme peso y significado en la historia del grupo), sino fuera porque en esos tiempos el guitarrista líder no formaba parte de la alineación.

Hay una canción perteneciente al cuarto disco de Caifanes, El nervio del volcán (1994), llamada “Aquí no es así” y una más del álbum El silencio (1992), “Estás dormida”, que Saúl Hernández nunca no tocó con su grupo Jaguares por el sencillo hecho de que el principal compositor de las mismas es Alejandro Marcovich. Tampoco nunca le he escuchado cantar “Pero nunca me caí”, del cuarto disco; piezas que es muy probable integren en su repertorio del sábado 9 de abril en el Vive.

La cuenta regresiva para el esperado concierto de Caifanes no cesa. Esa bomba de tiempo está a escasos seis días de explotar sobre los cuerpos empapados de sudor y los labios húmedos que llenarán cada rincón del espacio destinado para escuchar rock hispanoamericano por tres días consecutivos.

Ahí nos vemos. Se aceptan teclazos sobre esta columna caifanesca en el correo… sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en el diario unomásuno (domingo 3 de abril de 2011)

sábado, 2 de abril de 2011

MAURICIO SILLER, “Una vida para el arte”

El artista incluye en su último libro, "Una vida para el arte", poemas traducidos al inglés, francés y náhuatl

La vida misma bajo el trasfondo despertador de que el tiempo se nos va, es como el escultor, poeta, pintor y muralista mexicano, Mauricio Siller, conceptualiza su arte. Explorando en las raíces del México prehispánico, logra mostrar un nuevo lenguaje que hoy sirve para tomar conciencia sobre nuestras ciudades actuales y como éstas codifican el accionar humano.

“Como en cualquier oficio, el transcurso del tiempo va afinándote, te hace más fuerte, te hace madurar. El poder ir por caminos más cortos y precisos te lo da la experiencia”, puntualizó, en visita realizada a este diario, el artista, creador del libro “Una vida para el arte”, texto en el que conviven algunas de sus pinturas y esculturas, engalanadas con poemas de su autoría que fueron traducidos al inglés, francés y a “un idioma vivo, que habla muchísima de nuestra gente y que por lo tanto ponemos al mismo nivel”, el náhuatl.

A pesar de que Mauricio Siller ha tomado del México antiguo los componentes para sus obras, las temáticas que utiliza son actuales y no evaden la realidad violenta por la que pasa su país “porque sino estaríamos escondidos como en una concha, sin sacar la cabeza para tomar la información que nos llega”.

En ese sentido, el poeta expresa lo que está sintiendo, “el arte es oficio lógicamente, pero al último te alimentas de tus propios sentimientos; cuando te va de la fregada, hay que reflejar ese dolor y cuando estás feliz, no te puedes poner a chillar”.

Mauricio Siller ha enviado sus obras a Europa pero sobre todo a Estado Unidos. El año pasado, en un viaje a Alemania en el que realizó trabajos en vidrio, pudo comprobar la disciplina y puntualidad de aquella nación, “allá la gente se toma el trabajo muy en serio, son puntuales, aquí (en México) hacen como que trabajan”.

Al cuestionarle sobre magnates del renombre de Carlos Slim y sus acercamientos al arte, estableció que, “tienen sus grandes inversiones pero no han bajado específicamente a artistas jóvenes. Teniendo esa fortuna podrían aproximarse y fomentar mucho más”.
Foto: artista durante entrevista en unomásuno

El artista estará acercando sus obras a escuelas de la capital bajo proyectos secundados por autoridades del Gobierno del Distrito Federal y delegaciones como Cuauhtémoc, donde reinaugurará, mediante una de sus exhibiciones, el Teatro Tlatelolco y expondrá algunas de sus obras en el museo del Monumento a la Revolución. Foto: Ángeles. Óleo sobre tela 73x93 cm


"Es la existencia un quejido Un breve suspiro Un beso furtivo" MS Nota publicada en el diario unomásuno (domingo 03 de abril de 2011)

domingo, 27 de marzo de 2011

ZOE, Música de fondo

DESENCHUFADO

"Eran tiempos en los que aún podías ver por las calles a personas con sus discmans. Fue en una madrugada solitaria en Acapulco, mientras las brisas del mar obscuro te hacían sentir solo y embriagado en la soledad espantosa del balcón de un hotel barato. El viento helado te invitaba a huir del mundo en tu desesperación por no tener a nadie cerca para desgarrarle la ropa y morir congelados. Los tragos no te hacían sentir mejor pero si te alertaron sobre tu situación premonitoria: estabas dentro de la historia que leíste días antes de tu último viaje al puerto: la luna te comería a cucharadas".

A las personas que nos gusta mucho la música y sobre todo a los que pasamos días enteros escuchando, escribiendo y descomponiendo canciones, vivimos en un soundtrack incesante del que nunca queremos salir y en el que siempre hay música de fondo. Aun cuando no llevas un reproductor al oído, las melodías ya están tan registradas en tu mente que tus actividades se hallan a merced de un cosmos sonoro que va forjando tu camino y te hace la vida más placentera.

El grupo de rock mexicano ZOE, quien con su último lanzamiento discográfico, Música de fondo, entró a los terrenos “desenchufados”, o conciertos Unplugged de la cadena televisiva MTV, se une a una importante lista de bandas que decidieron dejar a un lado el sonido eléctrico de sus canciones para envolver su música con arreglos acústicos.

En este sentido, podemos destacar a Soda Stereo, Café Tacvba, Charly García, Los Tres, Julieta Venegas, Caifanes, entre muchos otros artistas y agrupaciones hispanoamericanos que ya pisaron esos terrenos con anterioridad y que lograron una talentosa adaptación de sus canciones para tal proyecto.

Para Zoe, no era tarea sencilla dejar a un lado los destellos electrónicos que han inyectado en la mayoría de sus canciones y cambiarlos por coros, cuerdas y música de viento. Desde ese enfoque el disco resulta preciso, al igual que si lo usas de fondo entre tus actividades (como se puede intuir en el título del álbum). El único problema radica si detienes tus ocupaciones para atenderlo; en tal caso resulta rebuscado. Mejor escuchémoslo en movimiento.

Me parece que el vocalista del grupo, León Larregui, en su búsqueda por encontrar nuevas formas de cantar, gana variantes para su voz pero pierde la conexión que si existe en las versiones originales. ¿Suena distinta su voz?, sí. ¿Suena mejor?, aún tengo dudas.

Con su último trabajo, el grupo originario de Cuernavaca me hace pensar que se pudieron haber exigido un poco más. Si bien cumplieron con los puntos que se acostumbran en el espectáculo: uso de cuerdas, intervención de invitados, instrumentos acústicos, coros, etc., creo que pudieron haber incluido en el set list canciones como Deja te conecto, temas que por su naturaleza electrónica, los hubieran puesto a trabajar mucho más… en fin, nos leemos pronto.

"Esa madrugada, mientras veías el mar con nostalgia desde un balcón, conociste a Zoe, una banda que surgía desde el subterráneo en aquellos tiempos en los que aún podías ver por las calles a personas con sus discmans".

Se aceptan teclazos sobre esta columna electroacústica en el correo… sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en el diario unomásuno (lunes 28 de marzo de 2011)

domingo, 20 de marzo de 2011

THE STROKES NUEVO SENCILLO

UNDER COVER OF DARKNESS

Después de tres discos exitosos encima y varias visitas a México, el nuevo disco The Strokes, ANGLES, que saldrá a la venta en pocas horas, lo espero con mucha incertidumbre, luego de percibir que su primer corte, Under Cover of Darkness, no apuesta por nada distinto. Al escuchar este nuevo sencillo es inevitable no recordar a Last Nite (éxito de su primer disco lanzado ¡hace diez años!), lo cual no es una buena señal, sobre todo si hablas de una banda multitudinaria como ésta.

Antes de ‘Angles’ lanzaron, en enero de 2006, su tercer álbum First Impressions of Earth; es decir, tuvieron el tiempo suficiente para preparar un material contundente que rompiera con sus propias fórmulas y lograr, con ello, no ser parte de una lista de grupos encantados por hacer un disco igual al anterior.

Me parece que ya lo habían logrado con el First Impressions of Earth, un material que se alejó de los poderosos rocanroles de sus discos pasados, ‘Is this it’ (2001) y ‘Room on Fire’ (2003), para formar algo nuevo, sin necesitad de perder su estilo.

Under Cover of Darkness, me deja inquieto por la similitud que tiene con el sonido que emanaba The Strokes en sus discos primarios. Y no es que me disguste el génesis de esta banda neoyorquina; de hecho pasé muchas horas atrapado en los acordes y las estructuras compuestas por Julian Casablancas para esos trabajos, pero considero que la evolución es necesaria y trascendental en una banda de rock.

Los integrantes de The Strokes utilizaron ese largo periodo entre sus últimas dos entregas para realizar trabajos solistas e independientes; se olvidaron un tiempo de la banda. En su regreso lanzan este sencillo, que para los que nos gusta su estilo sesentero con instrumentación básica, desde luego que suena atractivo, juega con la nostalgia del pasado, pero al final no deja de ser algo que ya presentaron antes con otro nombre.

Espero que todas esas dudas que tengo sobre el cuarto álbum de The Strokes se evaporen mañana cuando el estéreo reproduzca cada uno de los 10 tracks que lo integran. Aun puede existir la sorpresa de que el disco contenga piezas que le den al grupo nuevos horizontes, novedosos ángulos que nos permitan poder seguir escuchándolos con gusto por mucho tiempo.

Y AL FINAL

Como es natural en esta “época moderna”, el sencillo viene acompañado de un videoclip, que ya viaja a exceso de velocidad por la red. Éste inicia con escenas retrospectivas, o flashbacks, de su éxito You only live once para después desarrollarse en el interior de una casa llena de lujos y terminar en un teatro de ópera, difícil de identificar, en el que presentan una supuesta obra maestra.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna - al amparo de la obscuridad - en el correo… sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en el diario unomásuno (domingo 20 de marzo de 2011)

lunes, 14 de marzo de 2011

BOCABAJO

Bocabajo

El eclipse llegó en un a
ño gris,
te alejó de mí para siempre.

Un tranvía me lleva
a tu reino de aullidos

de calles prohibidas.

De regreso contemplo la lluvia,
respiro tu aliento nocturno
viendo al mar.

Otra noche más, en mi ciudad sin ti,
cómo poder escapar de esta inmensidad.

Una medusa de lumbre
acerco a tu casa
para que te asombres.

Fue en los tiempos del ruido
cuando te perdiste con el enigma.

Nunca me dejes
aquí sin voz
en el silencio.

Dime si piensas volver a entrar
con el viento.

En el suelo cierro los ojos
y siento que alguien me mira,
eres tú, desde algún lugar.


Nota: la letra de esta canción la creó el blogero que aquí escribe, el 29 de diciembre de 2009, justo después de leer “El otoño del patriarca” de Gabriel García Márquez.Es de mis libros preferidos, me aplastó en su momento. Habla sobre la soledad.


En concreto la soledad que viven y sienten los dictadores latinoamericanos, que aun con todo su poderío, no pueden comprar las bondades del amor.


Los dictadores son seres muy solitarios. El de esta novela es una persona que duerme bocabajo, sobre el piso, soñando que su amada un día entrará por su ventana.


La canción se basa únicamente en uno de sus capítulos. En el que esa mujer hermosa, perteneciente a uno de los barrios más peligrosos, bravos y humildes de la nación, no lo quiere, incluso lo aborrece por ser autoritario y déspota con los pobres.


Él le tiene una sorpresa muy especial, hará que el día se convierta en noche, aunque sea por unos segundos. Su poder le permitió investigar el momento preciso en que un eclipse total de sol tomaría su ciudad. Utilizaría esa información para sorprender a su amada y ganar su corazón. No tuvo éxito. Ella se largo de su vida para siempre al mismo tiempo que el eclipse obscurecía el destino del dictador.


“…se sintió más triste, más solo que nunca en la soledad eterna de este mundo sin ti, mi reina, perdida para siempre en el enigma del eclipse, para siempre jamás, porque nunca en el resto de los larguísimos años de su poder volvió a encontrar a Manuela Sánchez de mi perdición en el laberinto de su casa, se esfumó en la noche del eclipse mi general…”. Gabo
Foto: por fortuna, ella sí entró por mi ventana una noche, mientras soñaba bocabajo.

domingo, 13 de marzo de 2011

HOMENAJE RITA GUERRERO

LA REINA DE LA OBSCURA CLARIDAD

“La existencia es blanda y rueda y se zarandea, yo me zarandeo, soy, la existencia es una caída acabada, no caerá, no caerá, caerá, la existencia es una imperfección”. Santa Sabina – (Labios mojados).

Me encontraba leyendo la recta final de una interesante tesis llamada “El rock como un medio de comunicación en el caso del conflicto en Chiapas”, cuando me enteré del fallecimiento de Rita Guerrero, una mujer muy honesta al momento de cantar sus escritos y que siempre apoyó, con su voz y arte, los diversos movimientos en favor de los de abajo.

Ahora nos tendremos que consolar con sus canciones, obras que la vuelven inmortal en este proceso de transformación por el que pasa. Desde el pasado viernes, su arte se apodera de ella, la absorbe y la hace eterna. Lovely Rita, guerrera y santa, alcanza el vuelo de tu amiga, María Sabina.

En sus presentaciones y álbumes, Rita Guerrero demostró, además de una enorme voz, la técnica que adquirió en su camino por el Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Esto dio como resultado un brillante híbrido formado por la actuación y el canto, dos de sus grandes pasiones.

Soy escéptico en torno a la casualidad, creo más en las causas. Pero como les comentaba, leía una tesis en la que Rita junto a su banda, Santa Sabina, tomaron cierto protagonismo debido a que ellos tuvieron mucho acercamiento con los conciertos organizados en apoyo al Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN). Eventos presentados en universidades, como CU, en los que entrabas con un kilo de ayuda para las comunidades indígenas chiapanecas.

Aunque Rita mostró un rock obscuro, siempre fue clara en sus ideas en contra de las injusticias de su país. Una muestra, la voz que levantó en uno de sus conciertos, “queremos dedicarle esta canción a todos aquellos que aún luchan por la dignidad humana, el EZLN”.

Rita Guerrero, nos deja físicamente, por fortuna aun pudo sentir el amor de sus colegas y seguidores, en aquel concierto de fin del 2010, en el Teatro de la Ciudad, donde Julieta Venegas, Rubén Albarrán, La Maldita Vecindad, La Lupita, Natalia Lafourcade, Jaime López, Iraida Noriega, Hello Seahorse, Monocordio, Fratta, entre otros, cantaron más de seis horas en su honor.

Siento un dolor muy grande porque se va una pluma valiente y sincera. Una persona honesta en su trabajo, en su arte. Que descanse en paz, nosotros nos consolaremos con sus canciones y su hermosa voz.

“Veo una luz que rebasa mi muerte, siento el amor que me invita a ser fuerte. Y desde la esperanza, quiero mirar al otro lado de la noche. El árbol de la rabia, quiero gritar al otro lado de la noche. Buscar, buscando la luz detrás de esta mordaza, y de un nombre inventado, cuántos años han pasado, cuánto dolor anidado. Qué importa si ya nos han olvidado, que importan mis pasos en este mundo olvidado”. RG, “Olvido”.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna babélica en el correo… sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en unomásuno (13-MAR-11)

sábado, 5 de marzo de 2011

RADIOHEAD, "THE KING OF THE LIMBS"

EL REY DE LAS EXTREMIDADES

La verdad, yo no salí corriendo hacia mi computadora el día que me enteré que el octavo álbum de Radiohead, “El rey de las extremidades”, ya era descargable. Lo hice dos semanas después; es decir, en los últimos minutos del pasado viernes.

Tenía la idea de escuchar el disco un par de veces, tomar mis primeras impresiones y plasmarlas en una hoja de papel, pero no fue tan simple. Los ocho cortes atmosféricos que lo conforman dieron más de siete vueltas en el reproductor y la noche envejeció mientras que mi “cabeza de radio” trataba de no perderse entre sus laberintos.

The king of Limbs es el nombre de un roble de más de mil años que adoptó Radiohead para llamar a su nuevo proyecto, título indicado si pensamos que cada canción es una rama de difícil comprensión y texturas pastosas, pero impropio si nos damos cuenta que su dirección resulta predecible.

La maestría que Radiohead ha demostrado en cada uno de sus discos es indiscutible. Obras que desde mi punto de vista han logrado encontrar la perfección de su sonido, sin tener que llegar a búsquedas desmesuradas. Su estilo se escucha natural, orgánico, incluyendo sus trabajos electrónicos en los que han explorado por más de diez años.

Pero en particular pienso que a este último trabajo le faltó un par de temas que sirvieran de pistas para poder descifrarlo. Algo que sí hicieron en su álbum anterior, In Rainbows, del año 2007, al incluir 15 Step y Jigsaw Falling into Place, canciones que son oxigeno puro y que al proporcionarle variaciones, lo hacen más digerible.

Aun con ello, el disco se disfruta mucho. Si bien las guitarras de Jonny Greenwood no son tan constantes como en otros trabajos y llegan a extrañarse, el juego de loops o “bucles” (compases electrónicos exactos) son fascinantes y pueden hipnotizar a cualquiera. La voz de Thom Yorke y sobre todo la forma en que se mezcla con los demás instrumentos hace que el álbum no pase inadvertido, pues ésta es el sello de la casa, es la virtud biológica-genética, es la que los hace distintos ante cientos de grupos que se forman, a diario, en este planeta decadente.

BEAUTIFUL BOY La noche avanza, tus ojos están a punto de cerrarse pero algo te hace falta para dormir tranquilo. Recuerdas que un amigo te envió una canción con sencillas líneas pero donde existen acordes y una letra que sacude. Son momentos en que las melodías pueden ser plumas que lo dicen todo y te elevan como pétalos en el cielo.

En Beautiful Boy, John Lennon le canta al amor más puro que existe: el enviado a un hijo. Todo para Sean, poco o nada para Julian (el otro hijo que tuvo en su primer matrimonio). Pero la canción continúa, hay paseos en bicicleta, caminatas con el bebe montado en la espalda de su padre, paseos en bote, sonrisas, aprendizaje mutuo, castillos en la arena, juegos mecánicos, pasteles de cumpleaños, crecimiento, fotografías de viajes, amistad, confianza y “todo eso que pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes”: la vida.

Este proceso humano se acerca a ti con lentitud. Por eso necesitas comenzar a decirle: “Antes de dormir, di una pequeña oración... cierra los ojos, no tengas miedo niño hermoso”.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo... sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en unomásuno (6-MAR-11)

sábado, 26 de febrero de 2011

GRUPO DE ROCK ENJAMBRE

DESDE EL ENJAMBRE
Las abejas vuelan con cierta aflicción buscando el origen del sonido que las haga volar de nuevo. Se expanden con tristeza casi trasparentes, casi olvidadas pero con una sinergia poderosa que las hace encontrar su destino: un enjambre.

La mañana del miércoles acudimos a la nueva casa del grupo de rock Enjambre, EMI Music México, donde nos recibieron los hermanos Luis Humberto y Julián Navejas, miembros de esta banda mexicana la cual ha logrado, en poco tiempo, forjarse de un nombre y un público fiel que hoy les permite presentarse por varios estados de la República, así como estar en la espera de dos eventos que seguro marcarán su historia. Por una parte, se presentarán por tercera vez en el festival Vive Latino, aunque en esta ocasión tocando y compartiendo el escenario principal con Caifanes. Por otro lado, darán un prometedor concierto en el Teatro Metropólitan a mediados de año (junio/18).

Esta agrupación logró encontrar una fórmula exitosa que ahora tratan de explotar para llegar más lejos. Sobre todo en sus dos últimas producciones discográficas, “El segundo es felino” (2008), y “Daltónico” (2010), se pueden encontrar similitudes en música y técnicas de escritura que hacen pensar que su disco final es una continuación del anterior y no una nueva propuesta.

A pesar de que en “Daltónico” pudieron grabar en un mejor estudio (SIX SIX SIX) y utilizaron nuevos bits de batería y más sintetizadores, canciones como “Madrugada” y “Dulce Soledad” bien pudieron ser parte de su disco anterior. Me parece que no quisieron apostar por algo distinto, salvo en la canción “Visita”, en la que ya no abusan tanto de la rima en sus letras y las guitarras van cantando junto a la voz, en algunas estrofas, logrando un estético proceso de simbiosis.

Enjambre es una banda que nace en Santa Ana California con el lanzamiento de “Consuelo en domingo” (2005), un disco que les empezó a dar movilidad por los escenarios gringos. Pero su siguiente álbum, “El segundo es felino”, fue el proyecto clave en su carrera por la serie de éxitos que lo acompañan: “Impacto", "Néctar", "segundo tema", "Ausencia de cocina", "Último tema".

Aquí les dejo un extracto de la entrevista, luego subo el video enterito a este Blog porque es extensa.

¿Este trabajo (El segundo es felino) en particular los dejó satisfechos?

Luis Humberto Navejas (vocalista).- Sí, bastante. Yo creo que este disco fue como quien nos salvó de dedicarnos a profesiones “normales” como dicen por ahí. Fue quien nos dijo: ¡pueden dedicarse a la música!… fue una experiencia tan bonita, tan hermosa, que este es un ejemplo de cómo se pueden unir seres humanos emocional y creativamente. Es un disco donde está todo nuestro corazón, nuestros días, nuestros dolores, nuestras alegrías, donde pasara lo que pasara, nos fuera bien o mal, existe.

Se acerca el Vive Latino 2011 en el que están invitados. Ustedes ya han pisado esos escenarios, ¿Qué diferencia existe entre presentarse por primera vez en el “Vive”, inexpertos en el festival, y ahora ya con el cobijo de un público que los sigue?

Julián Navejas (tecladista).- Pues fíjate que hemos tenida la fortuna de ser invitados por tercera vez gracias a Dios y estamos muy contentos porque es raro que inviten a un grupo tantas veces consecutivas... esta vez tuvimos la fortuna de que nos invitaron al escenario principal, vamos a tocar un poquito de más tiempo y pues si va a estar muy padre…

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo… sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 27 de febrero de 2011)

miércoles, 23 de febrero de 2011

CONCIERTO DEEP PURPLE

Concierto Deep Purple, Auditorio Nacional
(22 de febrero 2011)
Breves impresiones:

Ayer los Purple dieron un buen concierto en el Auditorio Nacional, con algunas fallas técnicas (el teclado estaba por encima de los otros instrumentos en términos de volumen). Bien por “Space Truckin”, una canción que no les había escuchado en pasados conciertos en México. “When a blind man cries” siempre será dolorosa para los corazones rotos.

El tecladista, Don Airey, “maestro” se llevó la noche (quizá ayudado también por el beneficio de sonar más que sus compañeros). Ian Guillan ya canta con el puro colmillo afilado por los años pero sacó el evento apretando hasta las vísceras. Steve Morse no lo escuché tan inspirado con en otras gloriosas presentaciones; a su guitarra le faltó unos decibeles más de volumen (lo opacaba el teclado). Roger Glover regaló un solo de bajo delicioso pero por desgracia para él, la canción con que ligaron su solo, “Black Nigth”, entró mal, cada músico por su lado; hasta que entró la voz de Guillan se ajustaron, ¡los grandes también se equivocan! Ian Paice no pierde su velocidad aun con el paso de los años que no perdonan; baterías tan complejas como “Strange Kind of Woman”, siguen sonando precisas en sus manos.

Por ahí en la cuarta fila estuvo el Alex Lora y a pesar de que decenas de asistentes se acercaban a pedirle la foto y el autógrafo, él se notaba como un fan más que va a ver a una de sus bandas preferidas. “Aprende algo Lora”, “Mamá prende la grabadora”, “Salúdame a tu hija” fueron algunos gritos que se escucharon en todo el auditorio en voz de la banda.

Los éxitos clásicos no faltaron. Una noche púrpura más en la que me dio mucho gusto encontrarme con familiares y amigos en el recinto de Reforma. Personas a las que darle un abrazo sincero, antes y después del concierto, resulta necesario y da mucho gusto hacerlo.

Fotos: Deep Purple, Auditorio Nacional (22-Feb-2011) SFC

domingo, 20 de febrero de 2011

BUDA EXPLOTÓ DE VERGÜENZA

Proyectada en la Casa del Cine

Caminando por la calle de Uruguay me encontré con esta casa dedicada al séptimo arte. Es un espacio muy agradable, justo como me gustan los lugares: con un aroma artístico impregnado por todas partes, fresco, solitario, sobre construcciones viejitas (clásicas del Centro Histérico), precios económicos y con ayuda para estudiantes perpetuos.

Días antes ya había pasado por esa casa pero no tenía en ese momento el tiempo como para quedarme a ver una película. Prometí regresar pronto y así lo hice. Dos días después regresé para ver “Buda explotó de vergüenza”.

Un filme entrañable en el que una pequeña afgana de seis años lucha por ir a la escuela para aprender a leer. Las condiciones de su país son muy violentas por los recientemente destruidos Budas. Los niños de la zona pretender lapidarla en su camino hacia la escuela como parte de un juego que han aprendido por las atrocidades que pasan a diario en su país, una nación en guerra permanente.

Esta película se la recomiendo sobre todo a mis compañeras universitarias que prefieren ir a la cafetería a alaciarse el cabello que entrar a clases.

Fotos tomadas en La Casa del Cine (18-FEB-11)

sábado, 19 de febrero de 2011

DEEP PURPLE, MÉXICO 2011

LA PROFUNDIDAD DE LA PÚRPURA

El final de un concierto muchas veces es más que una simple cereza del pastel. Puede representar un estado permanente de éxtasis entre el trayecto del auditorio a casa y el momento en el que aterrizas tu cabeza sobre una almohada para tratar de comprender lo que tus sentidos absorbieron en la presentación de la banda.

En ese sentido, el grupo inglés Deep Purple, que por cierto presentará la siguiente semana cuatro toquines en tierras aztecas, es un claro ejemplo de este tipo de finales para una exhibición de música. Me refiero por supuesto a la forma en que ha cerrado algunos de sus eventos con la canción clásica “Smoke on the water”, como se aprecia en su álbum en vivo, “Come Hell or High Water” (1994), donde ya al final de la pieza, los músicos dejan que el acorde de sus instrumentos quede varado por un momento en el espacio, para que su baterista, Ian Paice, marque con un redoble virtuoso el final agonizante y espectacular del concierto.

Por otra parte, aun recuerdo el largo recorrido que tenía que caminar desde la primera secundaria en que estudié, a mi casa. Me imagino que de esa época data mi amor por caminar solo. Eran tiempos en los que esperaba llegar rápido para poner mis casetes y acetatos de Deep Purple a todo volumen. En esos caminos me sentía acompañado por la música de esta banda inglesa.

También eran tiempos en que la situación económica en mi familia era inestable (bueno aun lo sigue siendo), quizá por ello, cuando escuché en Universal Stereo que Deep Purple vendrían a la Ciudad de México, comencé a temblar de emoción pero al mismo tiempo de miedo por la falta de dinero necesario para adquirir mi boleto.

Nunca había ido a un concierto en mi vida, había visto varios en versión VHS pero no era lo mismo. Escuchar en vivo canciones con las que crecí era trascendental en ese momento. Para mi enorme fortuna, mi familia recibió un dinero extra y pudieron comprarme un boleto para ir a ver a Deep Purple. Eso sí, hasta la azotea, pero ¡qué demonios importaba!, iba poder escuchar “Pictures of home”, “Highway star”, “Perfect strangers”, “When a blind man cries”, “Speed King”… Y así fue.

Esta banda púrpura, pionera del heavy metal, ha sufrido diversos cambios en su alineación. Sin embargo la “Mark II” (etiqueta para identificar las diferentes alineaciones del grupo), formada por Ian Guillan (voz), RItchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo) es la más representativa de todas por haber grabado discos clave como: ”In Rock”(1970), “Fireball” (1971), “Machine Head” (1972), “Perfect Strangers”(1984), “The Battle Rages On” (1993) y por su puesto el álbum en directo “Made in Japan” (1972).

De cualquier forma destaco de la alineación “Mark I”, el primer disco de la banda, “Shades of Deep Purple” (1968), por la canción “Hush”, en voz de Rod Evans; del “Mark III”, sobresale el álbum “Burn” (1974), por la canción que da nombre al disco, en voz de David Coverdale y bajo de Glenn Hughes; Y del “Mark VII”, el trabajo “Perpendicular” (1996), con guitarras del ex Kansas Steve Morse.

Nos vemos en el Auditorio Nacional a mediados de la siguiente semana. En esta ocasión no veré a los “Púrpura” desde la azotea del recinto, o quién sabe.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo…sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 20 de febrero de 2011)

viernes, 18 de febrero de 2011

LA CASA DEL CINE, DF

CINE EN LA CENTRO HISTÓRICO
Un espacio que conjunta servicios de cineclub, talleres, cursos, foros, encuentro con realizadores y proyección de películas nacionales y de corte mundial es “La Casa del Cine”, una opción más para los cinéfilos, ubicada en el corazón de la Ciudad de México, Uruguay 52 del Centro Histórico y que es apoyada por las autoridades capitalinas.
En esta casa hay una sala de proyección digital con capacidad para cuarenta y tres asistentes, un videoclub (con precios muy accesibles en servicios de renta), videoteca con préstamo gratuito de películas a cineclubes comunitarios sin fines de lucro, sala de lectura, cafetería “tintico, Café & Galería” e instalaciones confortables decoradas con carteles de filmes clásicos.


Foto: La Casa del Cine, Centro Histórico (18-II-2011) SFC


Desde el pasado 21 de enero, La Casa del Cine abrió sus puertas al público en general y el programa semanal de su cartelera está integrada por “Buda explotó de vergüenza”, de Hana Makhmalbaf, y la ganadora de la Cámara de Oro en Cannes, “Año Bisiesto”, de Michael Rowe, mismas que se exhibirán hasta el 24 de febrero con diversos horarios que puedes consultar en la página.
“Un lugar para hacer, deshacer, renovar y transformar imágenes en movimiento”, es esta casa dedicada al séptimo arte, la cual promueve un taller de introducción a la animación, integrado por cuatro sesiones que inician el próximo sábado 26 de febrero, en el que se discutirá sobre la historia y cultura de la animación haciendo una revisión de importantes obras y directores.
Asimismo, La Casa del Cine seguirá abriendo convocatorias como la que hicieron en semanas pasadas para el concurso “Personajes de la ciudad”, en la que recibieron más de cien videos y de la que saldrán tres premiados elegidos por el público, el próximo 7 de marzo, en sus instalaciones de Uruguay 52.

domingo, 13 de febrero de 2011

FICC-México, ROCK

DOS CORTES

Bossa nova

El viento frío de la noche arremetió en contra de las gargantas vagabundas que prefirieron ir al Zócalo a ver una vieja película, que quedarse en casa a ver el Súper Tazón. A pesar de que millones de personas se inclinaron por lo segundo, algunos locos acudieron al corazón del país para seguir el curso del primer Festival Internacional de Cine Capital (FICC-México).

Para nuestra sorpresa, había decenas de cráneos de todos los niveles sociales y sabores. Desde los gringos viejos que vienen a dejar sus billetes verdes, hasta personas en situación de calle que, aprovechando el menor descuido de los organizadores, sacaban su anforita y bebían lumbre.

En ese entorno tan contrastante y sin más preámbulos, proyectaron “Temporada de Patos”. De inmediato los pies de la audiencia comenzaron a bailar gracias al sonido de Natalia Lafourcade y su guitarra melódica con ritmos brasileños que importó, para algunas de sus composiciones, desde el barrio de Copacabana.

La película arrancó con la pantalla totalmente obscura, cediendo espacio para que el soundtrack, “Un pato”, se esparciera por toda la plancha con su sola armonía. Puede sonar simple la rola, pero no lo es. En sus guitarras, Lafourcade usa semitonos a lo largo y ancho de la pieza, además de que con su fino dedo pulgar va marcando la base rítmica a contratiempo y todavía se da el lujo de cantar.

Natalia tuvo la fortuna de nacer en familia de músicos; padre catedrático en diversas universidades como la UNAM, madre creadora de un método de enseñanza musical para niños, que según sitios de internet dedicados a la artista, experimentó con la pequeña Natalia, líder de la Forquetina.

Quizá por ello, la música de Natalia Lafourcade, llámese Rock o Pop, tiene una sustancia que no se puede ocultar y que de alguna manera está presente en sus canciones: técnica musical.

Seguir Siendo

Los documentales sobre bandas de rock que he visto coinciden en algo: tratan de desnudar al artista para mostrar la parte de su vida cotidiana y los procesos (cronológicos) que tienen que ocurrir para que entreguen un nuevo material a sus seguidores. Otros se limitan a mostrar el detrás de cámara de sus giras y sus acercamientos con la prensa y fans.

Del trabajo documental, Seguir Siendo, del grupo Café Tacvba, yo destaco sobretodo la valiosa edición. Los cineastas encargados del trabajo, Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto, siguieron a los cafetos por 700 días, logrando reunir 600 horas de grabación que comprimieron en 90 minutos de filme. Los directores tuvieron que tener la visión para elegir los momentos más significativos del grupo. No sólo en su gira “20 años, 20 ciudades”, de la que grabaron imágenes en México, Argentina, Estados Unidos y Japón, sino los materiales adicionales, de inicios de Café Tacvba, que llegaron a sus manos y fusionaron con sus horas de grabación.

Aún más valioso que la edición es el final del documental, obvio no te lo contaré (quizá no lo haz visto), mejor te invito a que acudas esta tarde-noche al Zócalo capitalino porque en punto de la 19:00 horas proyectarán, de a grapa, Seguir Siendo.

Cómo desnudar a un grupo de rock mexicano que ha mostrado una transparencia que ya quisiera el IFAI. Cómo no recordar la primera vez que escuchaste “María” y empezaste a darle peso al grupo. Cómo no recordar “El Espacio”, canción con la que abrieron el concierto clave en tu acercamiento emocional. Cómo llegar al fondo de la taza de café sin quemarte los labios.
Café Tacvba presenta el documental Seguir Siendo Conferencia Hotel W - (9-XI-2010) SFC

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 13 de febrero de 2011)

domingo, 6 de febrero de 2011

JAIME LÓPEZ

COLECTIVO JAIME LÓPEZ

En toda la extensión de la palabra amor caben más de mil canciones, poemas, lágrimas y risas y hasta cien versos o más para ir mascando en el camino. Hay espacio pa’ cargar hasta a la suegra, caben letras sin sonido, un cenzontle o dos y Blue Demon. Amor en toda la extensión de la palabra. Amigos, seguidores de este vicio sonoro, para mi suerte esta columna nos volvió a reunir. El mes se fue muy rápido, pero en esta ocasión el tiempo no importa, se puede ir muy lejos y dejarnos solos, como lo hizo el poeta Pablo Ulrich cuando jugaba a inventar “El Cenzontle”, y decía, “era octubre y era mayo y eran todos los otros meses de todos los años y de todos los siglos…” AMÉN.

Como ya ustedes lo saben, este espacio no fue diseñado para alarmar a la banda sobre sus preferencias musicales. En primera porque cada quién carga encima sus propias canciones e histerias. En segunda porque estos textos tienen una intención más colectiva que individualista, ya el mundo está saturado de cazagoles como para que uno todavía esté en los linderos del área esperando el esférico. No, aquí todos tenemos la oportunidad de embarrarla y salir avante.

Por eso no tiene ningún sentido preguntarnos, cómo es posible que algunos entes sólo conozcan de Jaime López la canción “Chilanga Banda” y eso en versión cover. No se trata de eso, porque la música es tan poderosa que nos da más de un chance para tomarla, hacerla nuestra, o en su defecto, dejarla ir a otros oídos que están en la espera, puestos y dispuestos. Es más, te confieso que el inmenso catálogo de discos de Jaime no se ha desintegrado, está vivo y disponible para las personas que quieran poner a bailar a sus neuronas.

La música de Jaime López genera movimientos en el interior de mi cabeza que no cesan. Es una cátedra de poesía y fusiones rítmicas que se entrelazan como amantes. Y a pesar de que sus canciones melódicamente “son sencillas”, el trabajo poético de las letras y el mensaje muy particular que envía en cada una de ellas (político, urbano, rural, social, etc.), engrandecen su obra. Técnicamente, el uso de figuras retóricas en sus textos, como las aliteraciones (“Te toca a ti pagar el pato, vato”), las metáforas (“Al reloj le dio un paro cardiaco”), pero sobre todo, la forma en que hace volar su imaginación cuando escribe (“Una mujer con la mirada perdida en 1940, en un poste de 1980, aburrida de 1970, silbando un 1960, vestida por 1950, pensando estas muchachas de hoy...”), forman un estilo que además de respetar la sintaxis, denota intelecto.

En la trayectoria de Jaime López han aparecido artistas que dejaron una estela de talento en cada disco y que, con sus colaboraciones, acentuaron las composiciones de Jaime. Desde las históricas “Sesiones con Emilia” (1980), junto a Roberto González y Emilia Almazán; “Bonzo” (1982), violines de Cox Gaitán; el citado “Cenzontle” (1984); “1ª Calle de la Soledad” (1985), portada de Rafael Barajas 'El Fisgón'; “Blue Demon Blues” (1985), orquestado por Eduardo Magallanes; “Odio Fonky” (1994) y “No más héroes por favor” (2006), guitarras de José Manuel Aguilera, son sólo algunas muestras del colectivo Jaime López al que se suman interpretaciones de Eugenia León y por supuesto Cecilia Toussaint.

Y al final El pasado fin, las guitarras de Jaime López y Arturo Meza, llenaron cada espacio del Teatro Blanquita en la velada del festival ¿Quién es quién? Jaime salió al bajo con un poderoso sonido que estremeció a los asistentes entre los que se encontraban los barrancos Aguilera y Fong.Foto: Jaime López, Festival ¿Quién es quién en el rock? Teatro Blanquita (29-ENE-2011) SFC
Foto: Arturo Meza, Festival ¿Quién es quién en el rock? Teatro Blanquita (29-ENE-2011) SFC

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo…sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en unomásuno (6-FEB-11)

domingo, 23 de enero de 2011

THE GOASTT

NUEVOS FESTINES

Recuerdo aquella vieja historia de mi grupo de amistades a finales de los noventas, donde las notas musicales en nuestras reuniones estaban integradas por largas jornadas y los invitados se veían obligados a escuchar las canciones de la más preciada colección de discos del anfitrión.

Ahora todo ha cambiado, la facilidad de llegar con tu reproductor de música a las fiestas y compartir tus canciones está a un cable de distancia. Conectas tu celular, iPod o cualquier medio que ha diversificado el tiempo y muestras tu galería musical. El intercambio de música o videos vía Bluetooth está a la orden del día y no se diga la dependencia en que se ha convertido el YouTube en estos festines.

Esto viene a tema porque hace unos días acudí con gusto a una fiesta llena de esencias remotas y viejas, contraria a esta nueva era tecnológica. Tuvimos que chutarnos por varias horas los videos musicales del festejado. Para mí estuvo perfecto pues escuchar los guitarrazos de Jimmy Page es un banquete pero no así para algunos de los presentes que terminaron “aturdidos y confusos”, como reza aquella canción Zeppeliana.

Hay que entender que son nuevos tiempos y por lo tanto existen nuevas formas para compartir nuestras preferencias musicales. Quizá por ello, cada que viene a mi mente la frase de un amigo mío, diseñador gráfico de esta columna, reflexiono con su: “En gustos se rompen madres”.

JARDÍN DE LUXEMBURGO

Los sonidos ahora son alas que te llevan por tierras lascivas y te cierran los ojos en un supremo acto de seducción. Hacen que muevas la cabeza a su ritmo e imagines un paseo por Paris al lado de tu chica. Las armoniosas guitarras y la dulce voz de la princesa te conquistan. Es tanta la sensación, que colocas en tus labios un cigarro encendido aun cuando decidiste hace años no volverlo a hacer. Ese vicio humeante ha regresado por ti mientras que el viaje sonoro continúa sin chistar.

El "Jardin du Luxembourg" es una canción que viene incluida en el disco de Folk Rock , Acoustic Sessions, del grupo The GOASTT (iniciales de The Ghost of a Saber Tooth Tiger) el cual está integrado por la hermosa modelo, Charlotte Kemp Muhl y por supuesto por el hijo de John Lennon y Yoko Ono, Sean Lennon.

Este disco plagado de guitarras acústicas y voces dulces que se superposicionan en un canto a la naturaleza, ciencia y sexo, fue lanzado a finales del 2010, pocos meses después de que presentaran un LP en el que incluían una versión increíble de JARDÍN pero con guitarras eléctricas y armonías enchufadas que hacen pensar, por lo menos a mí, en la época Hippie llena de amor y paz.

He escuchado algunos comentarios respecto a la música de Sean en donde lo aplaudible se lo atribuyen a su padre y lo aparentemente poco genial a él. Después de hacer un recorrido por algunos de sus trabajos y en especial enfocándome a estos dos últimos, puedo decir que me sorprende como a pesar de ser un Lennon (bien pudo haber dejado que su sangre artística heredada se encargara de sus creaciones), fue una persona que desde pequeño estudio música y se preparó para poder tocar cualquier instrumento que le pusieran enfrente, con técnica depurada, dando como resultado obras musicales que hoy te invito a consultar.

“El fantasma de un tigre dientes de sable” (que sería su traducción al español) está de gira por varios entarimados de Estados Unidos. Espero que vengan pronto a México. Un concierto de ellos en un escenario como el Polyforum Siqueiros, por ejemplo, que bien caería para estos días aun fríos.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo…
sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 23 de enero de 2011)

sábado, 8 de enero de 2011

PRESENTACIÓN

MISIÓN DISCOS RAYADOS

La vieja anécdota sobre los acetatos rayados se ha hecho presente por muchos años en mi vida y con razones de sobra. Mi padre se ha encargado de irle agregando ingredientes a la historia (como si los necesitara) para hacerla cada vez más espeluznante, escandalosa y conocida entre mis amigos.

Resulta que cuando era niño, digamos unos dos años por poner un número, mi curiosidad por conocer el mundo me hizo abrir uno de los cajones del librero y sacar su colección de discos de rock que incluían verdaderas joyas como el Made in Japan de Deep Purple y el Magical Mystery Tour de The Beatles. Desprendí cada vinil de su empaque de cartón con inocencia y los hice viajar por toda la casa como si fueran coches y aviones de juguete. No quiero imaginar su rostro cuando llegó del trabajo y vio toda su valiosa antología esparcida por la sala, cocina y baño.

Años después, en mi etapa de secundaria, utilicé todos los remedios caseros para tratar de salvar los acetatos. En general puedo decir que la misión se cumplió. Los discos retumbaron en la casa de mis abuelos por semanas, los gritos desgarradores de Ian Gillan cantando “Child in Time” durante los 12:24 minutos que dura la canción hizo que mi abuelo, con la intención de salvar sus tímpanos y paciencia, me regalara el tocadiscos Fisher que con tanto gusto acomodé en una esquina de mi habitación, junto a la colección de música que alcancé a rescatar.

Ese rescate hoy me da la oportunidad de poder sentir cómo los sonidos musicales están flotando en el aire al alcance de todos. Sería para mí un placer que ustedes, amigos lectores (aliados de la música), me ayudaran por medio de esta columna a escudriñar y compartir esas canciones de rock que cada uno de nosotros traemos encima y que nos han ayudado a salir adelante ante nuestras muy particulares tempestades.

SONIDOS SEDUCTORES PARA ESTE AÑO

Tan sólo el regreso de Roger Waters y Paul McCartney a tierras aztecas es una muestra de que el año pasado estuvo cargado de conciertos inolvidables. Pero para los melómanos que acuden con frecuencia a los diferentes escenarios y degustan de los placeres que la música “regala” (hay que venderle hasta las babas al diablo para poder acudir a ellos), también se presentaron agrupaciones como Muse, Arcade Fire, Belle & Sebastian, Pixies, por mencionar algunos.

Ahora que si hablamos de lo que nos espera el siguiente año, hasta se me pone “la gallinita de piel”, como diría el Tacvbo, Rubén Albarrán, pues el reencuentro de Caifanes para el Vive Latino 2011, se hayan perdonado de verdad Saúl Hernández y Alejandro Marcovich, o no, es un acontecimiento histórico que vale mucho la pena presenciar ya que canciones como La Negra Tomasa, Mátenme porque me muero, Nos vamos juntos, Los dioses ocultos, Miedo, seguro reflejarán el porqué esta banda ha sido influencia, de muchas otras, en la escena de rock nacional.

Después de escuchar constantes quejas en festivales pasados, me parece que el cartel que presenta el “Vive” para este año deja tranquilas a muchas almas. Aunque me resulta curioso que un grupo no latino, The Chemical Brothers, sea de los que más expectación está generando en la gente (esto se queda pendiente en el tintero).

A pesar de que el año aun es muy joven (el Reyes-Guadalupe apenas está calentando motores), ya existe una lista de conciertos programados para los primeros meses del 2011: Joe Satriani, Chicago, Deep Purple, Iron Maiden, Slash, Jamiroquai, U2, entre muchos más que tendremos que ir sumando conforme pasen los días de esta columna.

Nos leemos el próximo lunes. Se aceptan teclazos sobre esta columna aun virgen en el correo… sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Sábado 8 de enero de 2011)

lunes, 15 de noviembre de 2010

LA SOLEDAD DEL TEATRO

EL PASILLO A MEDIA LUZ te obliga a caminar con precaución sobre la impecable alfombra. Tus pasos ahora son lentos pues tienes la sensación de que tu espinilla se estrellará con un objeto inesperado en cualquier momento. Si caminara un insecto junto a ti podrías escuchar el clamor de sus crujientes pasos, de ese tamaño es la soledad silenciosa en la que te encuentras. Te detienes unos segundos, degustas la frialdad del pasillo, su limpieza extrema y continúas con el recorrido tratando de no perderte. Conforme vas avanzando, el vacío del lugar te hace preguntarte cómo es posible que una construcción creada para las multitudes pueda ser sólo tuya esa mañana.

El camino de ese pasillo siempre es una curva, si… una curva que va acompañada cada cinco pasos por la puerta de un palco; esto último lo sabrás después claro, en ese momento tienes la impresión de que giras en un círculo infinito, como en la película donde el actor siempre llega al mismo punto una y otra vez. Sería honesto aceptar que tienes un poco de miedo y que la presencia de esa puerta comienza a perturbarte, te pone nervioso y si no fuera por que descubres que en cada una de esas entradas hay un número consecutivo en la parte central, enloquecerías. Ahora sólo es cuestión de que decidas en cuál de ellas entrar.

Cuando abres la puerta del palco sucede lo impensable: una multitud de gente adinerada te recibe con aplausos y gritos llenos de euforia. Con una mano te tienes que cubrir los ojos pues tres reflectores estridentes apuntan hacia ti; con la otra, agradeces la vehemencia con la que te recibieron los desconocidos pingüinos. Por razones que no conoces, todos los caballeros van vestidos de esmoquin color blanco y sombreros amarillos, verdes, anaranjados, todos muy llamativos y chillantes. Las mujeres llevan antifaces con diamantina e innecesarias sombrillas para un recinto que es techado. Dónde quedó el espacio de tranquilidad que esperabas –te preguntas decepcionado–. Cuando por fin tomas asiento, después de varios minutos de júbilo, la energía de los sonidos, de las luces y del teatro completamente lleno regresan a una aparente normalidad.

Y vaya que es aparente pues a partir de ese momento ya nada de lo que pasa sobre el escenario importa - el acto de clawn expuesto en el entarimado momentos antes de tu entrada al palco se detiene - pues ahora lo relevante es ver cómo los adinerados bailan sin ritmo con las sombrillas de sus esposas. Los señores se colocan narices rojas y la fiesta de serpentinas y confeti te hace sentir en un carnaval. Es una patética demostración adictiva que en un principio te incomoda pero que termina controlándote con un ataque de risa. Cuando los hombres se suben a las butacas y cantan desafinados, el dolor en la boca del estómago por tanto reír es insoportable por lo que prefieres cerrar los ojos antes que morir. Los papeles han sido cambiados: ahora los protagonistas ven actuar al público.

Abres los ojos y te das cuenta que estás sentado en la primera fila sin saber qué pasó con toda la gente. Esto no impide que te alegres por sentir la fuerza del recinto solitario que tanto anhelabas. El silencio regresa y con él regresa la tranquilidad. Con tu mirada expectante recorres cada uno de los rincones del lugar vacío: el Anfiteatro, el Primer Piso, la Galería, la sección de Luneta… hasta que por fin, casi por casualidad, llegas al palco en el que estabas sentado. La puerta de esa entrada número veintiuno permanece cerrada como si nadie la hubiera abierto en su vida.

Miras tu reloj sentado en la butaca central de la fila uno, son las once con quince de la mañana de un martes cualquiera y el silencio absoluto te marea, te hace volver a examinar cada rincón del teatro que te parece cada vez más grande y hermoso. Comienzan los sonidos a entrar en tu mente, es la ciudad que está moviéndose con violencia e ira en las calles cercanas. Es la metrópoli que se expande por las arterias del país mientras que tú permaneces sentado como un muerto. El rugir citando es cada vez más poderoso, te atrapa, te hace crear tus propias historias sobre el escenario. Te transforma en el mejor director del mundo al crear personajes impensables que llenan cada espacio del templete y cantan al ritmo de la orquesta que sólo tú escuchas. El mareo regresa, son tantas las imágenes invisibles que actúan sólo para ti que no puedes soportarlo. Tienes ganas de vomitar y sacar tu rabia mientras que afuera todo fluye con furor. Un enorme peso cae sobre tus hombros y te propone ponerte de pie y salir corriendo del lugar. Pero no lo haces, te recuestas sobre la butaca, prendes un cigarrillo y decides soportar el peso descomunal de un teatro completamente solo.

jueves, 14 de octubre de 2010

KABUKI

A lo largo del tiempo el sonido del tambor ha sido utilizado para simbolizar sucesos que marcan la historia de un pueblo. Por mencionar un ejemplo, su estallido representa para diversas culturas el inicio de un combate, por lo que también se le conoce como caja de guerra.

En la representación teatral Kabuki “El arte de cantar y bailar”, el tambor provoca un contraste de sensaciones dependiendo de la intensidad con que es tocado. Es así como su sonido puede llegar a simular: el fluir de un río, el rugir de las montañas, una intensa lluvia, la caída de la nieve, la presencia de un tornado e infinidad de fenómenos naturales más. Los diferentes matices que necesita la obra son generados por este instrumento.

El Kabuki forma parte de los espectáculos tradicionales más importantes de Japón y se caracteriza por utilizar elaborados maquillajes, vestuarios elegantes y elementos visuales que cautivan al público. Los temas que utiliza son muy variados, abarcan desde dramas de guerra y venganza, hasta desgarradores cuentos de fantasmas y demonios.

Es necesario decir que todo esto lo escribo porque el pasado 12 y 13 de Octubre se presentó en el Teatro de la Ciudad una obra de Kabuki que incluyó dos actos clásicos: “La garza doncella” y “La danza del león”.

La verdad si ese día hubiera habido un concierto de rock, es muy probable que estas líneas nunca hubieran sido escritas y su lugar estaría ocupado por críticas de guitarras distorsionadas, pero como no fue así, hoy les puedo decir que haber conocido una de las tradiciones más importantes de la cultura japonesa fue una experiencia que repetiría de inmediato.

La garza doncella

En el escenario se simula un campo congelado en el que no deja de caer nieve. Sobre él se presenta una garza que encarna en el ser de una doncella, pero al final se da cuenta que su historia es el reflejo de un amor no correspondido.

Cuando el telón se abre, los sonidos acompañan al actor en su papel de ave, se pasea lento por el escenario y hace movimientos con las mangas de Kimono como si fueran sus alas. A un costado hay músicos que tocan las percusiones y enfrente otros más que tocan el Shamisen –instrumento de cuerda similar al banjo-. La melodía avanza y la danza se hace más obscura, el dolor y el mal amor se apodera de todo el espacio. El final está próximo, la garza doncella no soporta más la tortura, no se puede mantener de pie, se desvanece por el escenario y muere.

Foto: para este acto el actor realizó tres cambios de vestuario sin salir del escenario
Danza de león

Este segundo espectáculo es más dinámico y describe la historia de un aristócrata japonés que renuncia a su vida cotidiana para convertirse en monje. En su camino hacia la montaña sagrada es reconocido por una pareja de míticos leones que danzarán a su alrededor entre flores y mariposas. Las flores simbolizan la tranquilidad y las mariposas el enfado, dualidad característica del león, dualidad que existe en la tierra pura.

Foto: Teatro de la Ciudad (13-X-2010)

Terminemos por el principio. Una mujer llamada Okuni fue la primera actriz y en cierto modo la creadora del Kabuki, pero 25 años después fue prohibido a toda mujer aparecer en los escenarios por considerarse inmoral. A partir de ese momento todos los roles, incluyendo los roles femeninos, son interpretados por hombres.
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Así son las cosas en este mundo descompuesto.