GRUPO DE ROCK ENJAMBRE

DESDE EL ENJAMBRE
Las abejas vuelan con cierta aflicción buscando el origen del sonido que las haga volar de nuevo. Se expanden con tristeza casi trasparentes, casi olvidadas pero con una sinergia poderosa que las hace encontrar su destino: un enjambre.

La mañana del miércoles acudimos a la nueva casa del grupo de rock Enjambre, EMI Music México, donde nos recibieron los hermanos Luis Humberto y Julián Navejas, miembros de esta banda mexicana la cual ha logrado, en poco tiempo, forjarse de un nombre y un público fiel que hoy les permite presentarse por varios estados de la República, así como estar en la espera de dos eventos que seguro marcarán su historia. Por una parte, se presentarán por tercera vez en el festival Vive Latino, aunque en esta ocasión tocando y compartiendo el escenario principal con Caifanes. Por otro lado, darán un prometedor concierto en el Teatro Metropólitan a mediados de año (junio/18).

Esta agrupación logró encontrar una fórmula exitosa que ahora tratan de explotar para llegar más lejos. Sobre todo en sus dos últimas producciones discográficas, “El segundo es felino” (2008), y “Daltónico” (2010), se pueden encontrar similitudes en música y técnicas de escritura que hacen pensar que su disco final es una continuación del anterior y no una nueva propuesta.

A pesar de que en “Daltónico” pudieron grabar en un mejor estudio (SIX SIX SIX) y utilizaron nuevos bits de batería y más sintetizadores, canciones como “Madrugada” y “Dulce Soledad” bien pudieron ser parte de su disco anterior. Me parece que no quisieron apostar por algo distinto, salvo en la canción “Visita”, en la que ya no abusan tanto de la rima en sus letras y las guitarras van cantando junto a la voz, en algunas estrofas, logrando un estético proceso de simbiosis.

Enjambre es una banda que nace en Santa Ana California con el lanzamiento de “Consuelo en domingo” (2005), un disco que les empezó a dar movilidad por los escenarios gringos. Pero su siguiente álbum, “El segundo es felino”, fue el proyecto clave en su carrera por la serie de éxitos que lo acompañan: “Impacto", "Néctar", "segundo tema", "Ausencia de cocina", "Último tema".

Aquí les dejo un extracto de la entrevista, luego subo el video enterito a este Blog porque es extensa.

¿Este trabajo (El segundo es felino) en particular los dejó satisfechos?

Luis Humberto Navejas (vocalista).- Sí, bastante. Yo creo que este disco fue como quien nos salvó de dedicarnos a profesiones “normales” como dicen por ahí. Fue quien nos dijo: ¡pueden dedicarse a la música!… fue una experiencia tan bonita, tan hermosa, que este es un ejemplo de cómo se pueden unir seres humanos emocional y creativamente. Es un disco donde está todo nuestro corazón, nuestros días, nuestros dolores, nuestras alegrías, donde pasara lo que pasara, nos fuera bien o mal, existe.

Se acerca el Vive Latino 2011 en el que están invitados. Ustedes ya han pisado esos escenarios, ¿Qué diferencia existe entre presentarse por primera vez en el “Vive”, inexpertos en el festival, y ahora ya con el cobijo de un público que los sigue?

Julián Navejas (tecladista).- Pues fíjate que hemos tenida la fortuna de ser invitados por tercera vez gracias a Dios y estamos muy contentos porque es raro que inviten a un grupo tantas veces consecutivas... esta vez tuvimos la fortuna de que nos invitaron al escenario principal, vamos a tocar un poquito de más tiempo y pues si va a estar muy padre…

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo… sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 27 de febrero de 2011)

CONCIERTO DEEP PURPLE

Concierto Deep Purple, Auditorio Nacional
(22 de febrero 2011)

Breves impresiones:

Ayer los Purple dieron un buen concierto en el Auditorio Nacional, con algunas fallas técnicas (el teclado estaba por encima de los otros instrumentos en términos de volumen). Bien por “Space Truckin”, una canción que no les había escuchado en pasados conciertos en México. “When a blind man cries” siempre será dolorosa para los corazones rotos.

El tecladista, Don Airey, “maestro” se llevó la noche (quizá ayudado también por el beneficio de sonar más que sus compañeros). Ian Guillan ya canta con el puro colmillo afilado por los años pero sacó el evento apretando hasta las vísceras. Steve Morse no lo escuché tan inspirado con en otras gloriosas presentaciones; a su guitarra le faltó unos decibeles más de volumen (lo opacaba el teclado). Roger Glover regaló un solo de bajo delicioso pero por desgracia para él, la canción con que ligaron su solo, “Black Nigth”, entró mal, cada músico por su lado; hasta que entró la voz de Guillan se ajustaron, ¡los grandes también se equivocan! Ian Paice no pierde su velocidad aun con el paso de los años que no perdonan; baterías tan complejas como “Strange Kind of Woman”, siguen sonando precisas en sus manos.

Por ahí en la cuarta fila estuvo el Alex Lora y a pesar de que decenas de asistentes se acercaban a pedirle la foto y el autógrafo, él se notaba como un fan más que va a ver a una de sus bandas preferidas. “Aprende algo Lora”, “Mamá prende la grabadora”, “Salúdame a tu hija” fueron algunos gritos que se escucharon en todo el auditorio en voz de la banda.

Los éxitos clásicos no faltaron. Una noche púrpura más en la que me dio mucho gusto encontrarme con familiares y amigos en el recinto de Reforma. Personas a las que darle un abrazo sincero, antes y después del concierto, resulta necesario y da mucho gusto hacerlo.

Fotos: Deep Purple, Auditorio Nacional (22-Feb-2011) SFC

BUDA EXPLOTÓ DE VERGÜENZA

Proyectada en la Casa del Cine

Caminando por la calle de Uruguay me encontré con esta casa dedicada al séptimo arte. Es un espacio muy agradable, justo como me gustan los lugares: con un aroma artístico impregnado por todas partes, fresco, solitario, sobre construcciones viejitas (clásicas del Centro Histérico), precios económicos y con ayuda para estudiantes perpetuos.

Días antes ya había pasado por esa casa pero no tenía en ese momento el tiempo como para quedarme a ver una película. Prometí regresar pronto y así lo hice. Dos días después regresé para ver “Buda explotó de vergüenza”.

Un filme entrañable en el que una pequeña afgana de seis años lucha por ir a la escuela para aprender a leer. Las condiciones de su país son muy violentas por los recientemente destruidos Budas. Los niños de la zona pretender lapidarla en su camino hacia la escuela como parte de un juego que han aprendido por las atrocidades que pasan a diario en su país, una nación en guerra permanente.

Esta película se la recomiendo sobre todo a mis compañeras universitarias que prefieren ir a la cafetería a alaciarse el cabello que entrar a clases.

Fotos tomadas en La Casa del Cine (18-FEB-11)

DEEP PURPLE, MÉXICO 2011

LA PROFUNDIDAD DE LA PÚRPURA

El final de un concierto muchas veces es más que una simple cereza del pastel. Puede representar un estado permanente de éxtasis entre el trayecto del auditorio a casa y el momento en el que aterrizas tu cabeza sobre una almohada para tratar de comprender lo que tus sentidos absorbieron en la presentación de la banda.

En ese sentido, el grupo inglés Deep Purple, que por cierto presentará la siguiente semana cuatro toquines en tierras aztecas, es un claro ejemplo de este tipo de finales para una exhibición de música. Me refiero por supuesto a la forma en que ha cerrado algunos de sus eventos con la canción clásica “Smoke on the water”, como se aprecia en su álbum en vivo, “Come Hell or High Water” (1994), donde ya al final de la pieza, los músicos dejan que el acorde de sus instrumentos quede varado por un momento en el espacio, para que su baterista, Ian Paice, marque con un redoble virtuoso el final agonizante y espectacular del concierto.

Por otra parte, aun recuerdo el largo recorrido que tenía que caminar desde la primera secundaria en que estudié, a mi casa. Me imagino que de esa época data mi amor por caminar solo. Eran tiempos en los que esperaba llegar rápido para poner mis casetes y acetatos de Deep Purple a todo volumen. En esos caminos me sentía acompañado por la música de esta banda inglesa.

También eran tiempos en que la situación económica en mi familia era inestable (bueno aun lo sigue siendo), quizá por ello, cuando escuché en Universal Stereo que Deep Purple vendrían a la Ciudad de México, comencé a temblar de emoción pero al mismo tiempo de miedo por la falta de dinero necesario para adquirir mi boleto.

Nunca había ido a un concierto en mi vida, había visto varios en versión VHS pero no era lo mismo. Escuchar en vivo canciones con las que crecí era trascendental en ese momento. Para mi enorme fortuna, mi familia recibió un dinero extra y pudieron comprarme un boleto para ir a ver a Deep Purple. Eso sí, hasta la azotea, pero ¡qué demonios importaba!, iba poder escuchar “Pictures of home”, “Highway star”, “Perfect strangers”, “When a blind man cries”, “Speed King”… Y así fue.

Esta banda púrpura, pionera del heavy metal, ha sufrido diversos cambios en su alineación. Sin embargo la “Mark II” (etiqueta para identificar las diferentes alineaciones del grupo), formada por Ian Guillan (voz), RItchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo) es la más representativa de todas por haber grabado discos clave como: ”In Rock”(1970), “Fireball” (1971), “Machine Head” (1972), “Perfect Strangers”(1984), “The Battle Rages On” (1993) y por su puesto el álbum en directo “Made in Japan” (1972).

De cualquier forma destaco de la alineación “Mark I”, el primer disco de la banda, “Shades of Deep Purple” (1968), por la canción “Hush”, en voz de Rod Evans; del “Mark III”, sobresale el álbum “Burn” (1974), por la canción que da nombre al disco, en voz de David Coverdale y bajo de Glenn Hughes; Y del “Mark VII”, el trabajo “Perpendicular” (1996), con guitarras del ex Kansas Steve Morse.

Nos vemos en el Auditorio Nacional a mediados de la siguiente semana. En esta ocasión no veré a los “Púrpura” desde la azotea del recinto, o quién sabe.

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo…sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 20 de febrero de 2011)

LA CASA DEL CINE, DF

CINE EN LA CENTRO HISTÓRICO
Un espacio que conjunta servicios de cineclub, talleres, cursos, foros, encuentro con realizadores y proyección de películas nacionales y de corte mundial es “La Casa del Cine”, una opción más para los cinéfilos, ubicada en el corazón de la Ciudad de México, Uruguay 52 del Centro Histórico y que es apoyada por las autoridades capitalinas.
En esta casa hay una sala de proyección digital con capacidad para cuarenta y tres asistentes, un videoclub (con precios muy accesibles en servicios de renta), videoteca con préstamo gratuito de películas a cineclubes comunitarios sin fines de lucro, sala de lectura, cafetería “tintico, Café & Galería” e instalaciones confortables decoradas con carteles de filmes clásicos.

Foto: La Casa del Cine, Centro Histórico (18-II-2011) SFC

Desde el pasado 21 de enero, La Casa del Cine abrió sus puertas al público en general y el programa semanal de su cartelera está integrada por “Buda explotó de vergüenza”, de Hana Makhmalbaf, y la ganadora de la Cámara de Oro en Cannes, “Año Bisiesto”, de Michael Rowe, mismas que se exhibirán hasta el 24 de febrero con diversos horarios que puedes consultar en la página.
“Un lugar para hacer, deshacer, renovar y transformar imágenes en movimiento”, es esta casa dedicada al séptimo arte, la cual promueve un taller de introducción a la animación, integrado por cuatro sesiones que inician el próximo sábado 26 de febrero, en el que se discutirá sobre la historia y cultura de la animación haciendo una revisión de importantes obras y directores.
Asimismo, La Casa del Cine seguirá abriendo convocatorias como la que hicieron en semanas pasadas para el concurso “Personajes de la ciudad”, en la que recibieron más de cien videos y de la que saldrán tres premiados elegidos por el público, el próximo 7 de marzo, en sus instalaciones de Uruguay 52.

FICC-México, ROCK

DOS CORTES

Bossa nova

El viento frío de la noche arremetió en contra de las gargantas vagabundas que prefirieron ir al Zócalo a ver una vieja película, que quedarse en casa a ver el Súper Tazón. A pesar de que millones de personas se inclinaron por lo segundo, algunos locos acudieron al corazón del país para seguir el curso del primer Festival Internacional de Cine Capital (FICC-México).

Para nuestra sorpresa, había decenas de cráneos de todos los niveles sociales y sabores. Desde los gringos viejos que vienen a dejar sus billetes verdes, hasta personas en situación de calle que, aprovechando el menor descuido de los organizadores, sacaban su anforita y bebían lumbre.

En ese entorno tan contrastante y sin más preámbulos, proyectaron “Temporada de Patos”. De inmediato los pies de la audiencia comenzaron a bailar gracias al sonido de Natalia Lafourcade y su guitarra melódica con ritmos brasileños que importó, para algunas de sus composiciones, desde el barrio de Copacabana.

La película arrancó con la pantalla totalmente obscura, cediendo espacio para que el soundtrack, “Un pato”, se esparciera por toda la plancha con su sola armonía. Puede sonar simple la rola, pero no lo es. En sus guitarras, Lafourcade usa semitonos a lo largo y ancho de la pieza, además de que con su fino dedo pulgar va marcando la base rítmica a contratiempo y todavía se da el lujo de cantar.

Natalia tuvo la fortuna de nacer en familia de músicos; padre catedrático en diversas universidades como la UNAM, madre creadora de un método de enseñanza musical para niños, que según sitios de internet dedicados a la artista, experimentó con la pequeña Natalia, líder de la Forquetina.

Quizá por ello, la música de Natalia Lafourcade, llámese Rock o Pop, tiene una sustancia que no se puede ocultar y que de alguna manera está presente en sus canciones: técnica musical.

Seguir Siendo

Los documentales sobre bandas de rock que he visto coinciden en algo: tratan de desnudar al artista para mostrar la parte de su vida cotidiana y los procesos (cronológicos) que tienen que ocurrir para que entreguen un nuevo material a sus seguidores. Otros se limitan a mostrar el detrás de cámara de sus giras y sus acercamientos con la prensa y fans.

Del trabajo documental, Seguir Siendo, del grupo Café Tacvba, yo destaco sobretodo la valiosa edición. Los cineastas encargados del trabajo, Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto, siguieron a los cafetos por 700 días, logrando reunir 600 horas de grabación que comprimieron en 90 minutos de filme. Los directores tuvieron que tener la visión para elegir los momentos más significativos del grupo. No sólo en su gira “20 años, 20 ciudades”, de la que grabaron imágenes en México, Argentina, Estados Unidos y Japón, sino los materiales adicionales, de inicios de Café Tacvba, que llegaron a sus manos y fusionaron con sus horas de grabación.

Aún más valioso que la edición es el final del documental, obvio no te lo contaré (quizá no lo haz visto), mejor te invito a que acudas esta tarde-noche al Zócalo capitalino porque en punto de la 19:00 horas proyectarán, de a grapa, Seguir Siendo.

Cómo desnudar a un grupo de rock mexicano que ha mostrado una transparencia que ya quisiera el IFAI. Cómo no recordar la primera vez que escuchaste “María” y empezaste a darle peso al grupo. Cómo no recordar “El Espacio”, canción con la que abrieron el concierto clave en tu acercamiento emocional. Cómo llegar al fondo de la taza de café sin quemarte los labios.

Café Tacvba presenta el documental Seguir Siendo Conferencia Hotel W - (9-XI-2010) SFC

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo sfloresprensa@hotmail.com * Artículo publicado en el diario unomásuno (Domingo 13 de febrero de 2011)

JAIME LÓPEZ

COLECTIVO JAIME LÓPEZ

En toda la extensión de la palabra amor caben más de mil canciones, poemas, lágrimas y risas y hasta cien versos o más para ir mascando en el camino. Hay espacio pa’ cargar hasta a la suegra, caben letras sin sonido, un cenzontle o dos y Blue Demon. Amor en toda la extensión de la palabra. Amigos, seguidores de este vicio sonoro, para mi suerte esta columna nos volvió a reunir. El mes se fue muy rápido, pero en esta ocasión el tiempo no importa, se puede ir muy lejos y dejarnos solos, como lo hizo el poeta Pablo Ulrich cuando jugaba a inventar “El Cenzontle”, y decía, “era octubre y era mayo y eran todos los otros meses de todos los años y de todos los siglos…” AMÉN.

Como ya ustedes lo saben, este espacio no fue diseñado para alarmar a la banda sobre sus preferencias musicales. En primera porque cada quién carga encima sus propias canciones e histerias. En segunda porque estos textos tienen una intención más colectiva que individualista, ya el mundo está saturado de cazagoles como para que uno todavía esté en los linderos del área esperando el esférico. No, aquí todos tenemos la oportunidad de embarrarla y salir avante.

Por eso no tiene ningún sentido preguntarnos, cómo es posible que algunos entes sólo conozcan de Jaime López la canción “Chilanga Banda” y eso en versión cover. No se trata de eso, porque la música es tan poderosa que nos da más de un chance para tomarla, hacerla nuestra, o en su defecto, dejarla ir a otros oídos que están en la espera, puestos y dispuestos. Es más, te confieso que el inmenso catálogo de discos de Jaime no se ha desintegrado, está vivo y disponible para las personas que quieran poner a bailar a sus neuronas.

La música de Jaime López genera movimientos en el interior de mi cabeza que no cesan. Es una cátedra de poesía y fusiones rítmicas que se entrelazan como amantes. Y a pesar de que sus canciones melódicamente “son sencillas”, el trabajo poético de las letras y el mensaje muy particular que envía en cada una de ellas (político, urbano, rural, social, etc.), engrandecen su obra. Técnicamente, el uso de figuras retóricas en sus textos, como las aliteraciones (“Te toca a ti pagar el pato, vato”), las metáforas (“Al reloj le dio un paro cardiaco”), pero sobre todo, la forma en que hace volar su imaginación cuando escribe (“Una mujer con la mirada perdida en 1940, en un poste de 1980, aburrida de 1970, silbando un 1960, vestida por 1950, pensando estas muchachas de hoy...”), forman un estilo que además de respetar la sintaxis, denota intelecto.

En la trayectoria de Jaime López han aparecido artistas que dejaron una estela de talento en cada disco y que, con sus colaboraciones, acentuaron las composiciones de Jaime. Desde las históricas “Sesiones con Emilia” (1980), junto a Roberto González y Emilia Almazán; “Bonzo” (1982), violines de Cox Gaitán; el citado “Cenzontle” (1984); “1ª Calle de la Soledad” (1985), portada de Rafael Barajas 'El Fisgón'; “Blue Demon Blues” (1985), orquestado por Eduardo Magallanes; “Odio Fonky” (1994) y “No más héroes por favor” (2006), guitarras de José Manuel Aguilera, son sólo algunas muestras del colectivo Jaime López al que se suman interpretaciones de Eugenia León y por supuesto Cecilia Toussaint.

Y al final El pasado fin, las guitarras de Jaime López y Arturo Meza, llenaron cada espacio del Teatro Blanquita en la velada del festival ¿Quién es quién? Jaime salió al bajo con un poderoso sonido que estremeció a los asistentes entre los que se encontraban los barrancos Aguilera y Fong.Foto: Jaime López, Festival ¿Quién es quién en el rock? Teatro Blanquita (29-ENE-2011) SFC
Foto: Arturo Meza, Festival ¿Quién es quién en el rock? Teatro Blanquita (29-ENE-2011) SFC

Nos leemos pronto. Se aceptan teclazos sobre esta columna en el correo…sfloresprensa@hotmail.com Artículo publicado en unomásuno (6-FEB-11)